템포, 키, 코드로 완성도 높이기

곡이 갑자기 그럴듯해지는 이유

앞 장까지 우리는 장르, 분위기, 가사 구조, 보컬 디렉팅을 다뤘습니다. 이제부터는 곡의 뼈대를 조금 더 단단하게 세울 차례입니다. 음악을 전문적으로 배운 적이 없어도 괜찮습니다. 이번 장에서 필요한 것은 딱 세 가지입니다. 곡의 속도인 BPM, 곡의 중심색을 잡아 주는 키, 그리고 화음이 움직이는 길인 코드 진행입니다.

Suno는 우리가 입력한 장르와 분위기만 보고도 그럴듯한 곡을 만들어 줍니다. 하지만 결과가 어딘가 밋밋하거나, 발라드라고 했는데 너무 빠르거나, 슬픈 노래를 원했는데 이상하게 밝게 들리는 경우가 있습니다. 이때 필요한 것이 음악 이론입니다. 거창한 이론이 아니라, Suno가 방향을 덜 헷갈리게 만드는 작은 표지판입니다.

BPM은 음악의 속도를 말하고, 키는 곡이 어느 음을 중심으로 움직이는지를 말합니다. 코드 진행은 여러 코드가 어떤 순서로 이어지는지를 뜻합니다. Suno 공식 용어집에서도 tempo, key, chord progression, tension, resolution 같은 단어들이 음악을 설명하는 기본 어휘로 정리되어 있습니다.¹ 이 단어들을 프롬프트에 조금만 섞어도 노래는 더 장르답고, 더 감정적이고, 더 실제 곡처럼 들리기 시작합니다.

BPM: 노래의 걸음걸이를 정합니다

BPM은 Beats Per Minute의 줄임말입니다. 1분 동안 박자가 몇 번 뛰는지를 나타내는 숫자입니다. 60 BPM은 1초에 한 번씩 박자가 움직이는 느린 속도이고, 120 BPM은 그 두 배로 빠르게 움직입니다. 사람으로 비유하면 BPM은 노래의 걸음걸이입니다. 70 BPM은 천천히 고개를 숙이고 걷는 느낌이고, 124 BPM은 리듬을 타며 밤거리로 나가는 느낌입니다.

초보자는 처음부터 정확한 BPM을 맞히려 하지 않아도 됩니다. 장르별로 자주 쓰이는 범위를 먼저 기억하면 충분합니다.

같은 가사라도 BPM에 따라 전혀 다른 곡이 됩니다. 이별을 말하는 가사를 68 BPM에 얹으면 눈물이 고이는 발라드가 될 가능성이 높습니다. 같은 가사를 118 BPM에 얹으면 울면서도 앞으로 나아가는 팝송처럼 들릴 수 있습니다. 128 BPM에 얹으면 클럽에서 웃는 척 춤추는 이별 노래가 될 수도 있습니다.

Suno 프롬프트에서는 tempo를 막연히 slow, fast라고만 쓰는 것보다 숫자로 적는 편이 더 분명합니다. 여러 프롬프트 가이드에서도 장르, 분위기, 악기와 함께 key, tempo, BPM 같은 음악 파라미터를 넣으면 결과의 방향이 더 선명해진다고 설명합니다.²

예를 들어 발라드를 만들고 싶다면 이렇게 시작할 수 있습니다.

emotional piano ballad, A minor, 72 BPM, intimate female vocal, soft strings, sparse drums, warm cinematic production

R&B라면 조금 더 그루브를 살려 봅니다.

modern R&B, A minor, 84 BPM, smooth male vocal, Rhodes piano, warm bass, soft 808 drums, late night intimate mood

밝은 팝송이라면 BPM을 더 올립니다.

upbeat pop, G major, 118 BPM, bright female vocal, acoustic guitar, punchy drums, catchy chorus, polished radio mix

하우스 음악은 거의 체온처럼 일정한 박동이 중요합니다.

deep house, D minor, 124 BPM, four-on-the-floor kick, warm synth bass, chopped vocal texture, hypnotic night drive mood

four-on-the-floor는 킥 드럼이 한 마디의 네 박자마다 규칙적으로 나오는 댄스 음악의 기본 리듬을 뜻합니다. 클럽 음악에서 쿵, 쿵, 쿵, 쿵 하고 계속 밀어 주는 그 박자라고 생각하면 됩니다.

키: 곡의 색온도를 고릅니다

키는 노래가 어느 음을 집처럼 삼는지를 뜻합니다. C major라고 하면 C음을 중심으로 밝고 안정적인 세계를 만들겠다는 뜻이고, A minor라고 하면 A음을 중심으로 조금 더 어둡고 섬세한 세계를 만들겠다는 뜻입니다.

여기서 major는 장조, minor는 단조입니다. 아주 단순하게 말하면 장조는 밝고 열린 느낌, 단조는 어둡고 쓸쓸한 느낌에 가깝습니다. 물론 모든 장조가 행복하고 모든 단조가 슬픈 것은 아닙니다. 같은 장조라도 편곡과 템포에 따라 슬플 수 있고, 같은 단조라도 빠른 비트 위에서는 세련되고 긴장감 있게 들릴 수 있습니다. 다만 Suno에게 큰 방향을 알려 주기에는 이 구분이 유용합니다.

키는 감정의 색온도처럼 생각하면 쉽습니다. 같은 80 BPM이라도 C major는 따뜻한 회상처럼 들릴 수 있고, A minor는 혼자 남은 새벽처럼 들릴 수 있습니다. G major는 야외에서 부르는 밝은 노래와 잘 맞고, D minor는 조금 더 심각하고 깊은 정서를 만들기 좋습니다.

프롬프트에서는 키를 앞쪽에 배치하는 것이 좋습니다. Suno의 스타일 입력창은 장르, 분위기, 악기, 보컬, 프로덕션 같은 태그를 종합해 곡의 방향을 잡기 때문에, 중요한 정보는 너무 뒤에 숨기지 않는 편이 안전합니다.³

같은 장르라도 키를 바꾸면 이렇게 달라질 수 있습니다.

indie pop, C major, 112 BPM, bright and hopeful, jangly guitar, soft female vocal, catchy chorus

이 프롬프트는 비교적 밝고 깨끗한 인디 팝을 기대하게 만듭니다.

indie pop, A minor, 112 BPM, bittersweet and nostalgic, jangly guitar, soft female vocal, emotional chorus

이번에는 속도는 같지만 훨씬 더 아련하고 씁쓸한 방향으로 갑니다. 핵심은 속도와 키가 서로 다른 역할을 한다는 점입니다. BPM은 에너지의 크기를 정하고, 키는 감정의 색을 잡아 줍니다.

BPM과 키를 함께 쓰면 감정이 더 정확해집니다

초보자가 가장 많이 하는 실수는 감정 단어만 많이 쓰는 것입니다. melancholic, emotional, sad, lonely, nostalgic 같은 단어를 길게 늘어놓으면 Suno가 대략 슬픈 분위기를 잡을 수는 있습니다. 하지만 슬픈데 얼마나 느린지, 슬픈데 얼마나 어두운지, 슬픈데 움직임이 있는지까지는 알기 어렵습니다.

이때 BPM과 키를 함께 쓰면 훨씬 명확해집니다.

슬픈 노래를 만들고 싶다고 해서 무조건 느리게만 만들 필요는 없습니다. 빠른 단조 곡은 아주 매력적입니다. 겉으로는 달리지만 속으로는 불안한 노래, 리듬은 신나지만 가사는 슬픈 노래가 이 조합에서 나옵니다. 반대로 느린 장조 곡은 울기보다 안아 주는 느낌이 강합니다.

reflective acoustic ballad, F major, 74 BPM, gentle male vocal, fingerpicked guitar, soft strings, hopeful and tender

이 프롬프트는 슬프지만 무너지지 않는 노래에 가깝습니다.

dark synth-pop, D minor, 126 BPM, urgent female vocal, pulsing synth bass, driving drums, neon night atmosphere

이 프롬프트는 빠르지만 밝지 않습니다. 밤의 도로를 달리는 듯한 불안한 추진력이 생깁니다.

코드 진행: 멜로디 아래에 길을 놓습니다

코드는 여러 음이 동시에 울리는 덩어리입니다. 코드 진행은 그 덩어리들이 어떤 순서로 이어지는지입니다. 멜로디가 노래의 얼굴이라면, 코드 진행은 얼굴 아래에서 감정을 움직이는 근육입니다. 같은 멜로디도 코드가 바뀌면 전혀 다른 표정을 짓습니다.

Suno는 프롬프트만으로도 알아서 코드를 만듭니다. 하지만 가끔 너무 흔한 진행만 반복하거나, 벌스와 후렴의 차이가 약하게 들릴 때가 있습니다. 이럴 때는 가사 입력창에 코드 태그를 넣어 볼 수 있습니다.

A minor 분위기의 감성 팝에서 자주 쓰기 좋은 진행은 다음과 같습니다.

[Am] [F] [C] [G]

이 네 개의 코드는 익숙하면서도 감정이 잘 움직입니다. [Am]은 어두운 출발점이고, [F]는 살짝 들어 올리는 느낌을 줍니다. [C]는 밝은 쪽으로 문을 열고, [G]는 다음 마디로 밀어 주는 힘을 만듭니다.

Custom Mode에서는 스타일 입력창과 가사 입력창을 나누어 쓸 수 있습니다. 스타일 입력창에는 장르, 키, BPM, 악기, 보컬을 넣고, 가사 입력창에는 실제 가사와 [Verse], [Chorus] 같은 구조 태그, 그리고 필요하다면 [Am] 같은 코드 태그를 넣습니다. 코드 이름을 그냥 문장처럼 쓰면 AI가 그것을 노래 가사로 처리하는 경우가 있어, 대괄호 태그로 분리하는 방식이 더 안전하다고 알려져 있습니다.⁴

예시는 다음과 같습니다.

Style of Music:
emotional pop ballad, A minor, 76 BPM, piano and warm strings, intimate female vocal, chorus grows bigger, cinematic production

Lyrics:
[Verse 1]
[Am] 불 꺼진 방에 남은 숨
[F] 너의 이름만 맴돌고
[C] 닫힌 창문 너머로
[G] 비가 천천히 내려

[Pre-Chorus]
[Dm] 말하지 못한 마음이
[G] 목 끝에서 흔들려

[Chorus]
[C] 아직도 나는 여기 있어
[G] 사라진 계절을 붙잡고
[Am] 끝난 줄 알던 우리의 밤이
[F] 다시 내 안에서 번져

이 예시에서 벌스는 [Am]으로 시작해 어두운 감정을 잡고, 후렴은 [C]로 시작해 조금 더 크게 열립니다. 같은 코드 네 개를 쓰더라도 출발점을 바꾸면 인상이 달라집니다. [Am] [F] [C] [G]는 슬픈 출발이고, [C] [G] [Am] [F]는 더 밝은 팝 출발입니다.

다만 코드 태그는 절대 명령이 아니라 방향 제안에 가깝습니다. Suno가 항상 정확히 그 코드만 연주한다고 기대하면 실망할 수 있습니다. 현재의 AI 음악 생성은 확률적으로 작동하므로, 복잡한 코드 보이싱이나 재즈식 대리 코드까지 완벽히 통제하기는 어렵습니다. 그래도 키, BPM, 분위기, 코드 태그를 함께 쓰면 원하는 화성 흐름에 가까워질 가능성이 높아집니다.⁵

자주 쓰기 좋은 코드 진행

처음에는 어려운 코드를 욕심내지 않아도 됩니다. 대중음악에서 많이 쓰이는 진행부터 실험해 보세요. 흔하다는 것은 나쁘다는 뜻이 아닙니다. 오히려 Suno가 잘 이해할 가능성이 높고, 듣는 사람도 자연스럽게 받아들이기 쉽다는 뜻입니다.

여기서 m은 minor, 즉 단조 코드를 뜻합니다. Am은 A minor, Dm은 D minor입니다. maj7이나 7이 붙은 코드는 기본 삼화음보다 한 음이 더해진 코드입니다. 초보자는 이론을 다 외우려 하지 말고, 일단 소리의 인상으로 기억하면 됩니다. maj7은 부드럽고 세련된 느낌, 7은 블루스나 재즈에서 자주 나는 살짝 긴장된 느낌이라고 생각하면 충분합니다.

코드 진행은 반드시 전곡에서 똑같을 필요가 없습니다. 오히려 벌스와 후렴, 브리지의 코드 출발점을 다르게 하면 곡이 훨씬 실제 노래처럼 움직입니다.

[Verse]
[Am] [F] [C] [G]

[Pre-Chorus]
[Dm] [F] [G] [G]

[Chorus]
[C] [G] [Am] [F]

[Bridge]
[F] [G] [Em] [Am]

이 구조는 벌스에서 쓸쓸하게 시작하고, 프리코러스에서 긴장을 만들고, 후렴에서 밝게 터뜨린 뒤, 브리지에서 살짝 다른 길로 돌아갑니다. 바로 이 움직임이 곡을 단순한 반복에서 벗어나게 합니다.

Verse보다 Chorus가 커야 합니다

좋은 곡은 처음부터 끝까지 같은 크기로 달리지 않습니다. 이야기를 낮게 시작하고, 기대를 만들고, 후렴에서 터뜨리고, 다시 숨을 고릅니다. 이 흐름을 에너지 곡선이라고 부를 수 있습니다.

Suno에서 에너지 곡선을 만들 때는 구조 태그와 설명을 함께 쓰면 좋습니다. [Verse]는 보통 이야기를 전달하는 구간이고, [Chorus]는 가장 기억에 남는 후렴입니다. [Bridge]는 곡 중간에 한 번 다른 길로 빠져 대비를 만드는 구간입니다. [Drop]은 특히 전자음악에서 에너지가 크게 터지는 순간을 가리킵니다.¹

중요한 것은 후렴을 크게 만들겠다고 프롬프트에 big chorus만 쓰는 것이 아닙니다. 벌스를 작게 만들어야 후렴이 커집니다. 처음부터 모든 악기를 다 넣고, 보컬도 처음부터 끝까지 세게 부르면 후렴이 터질 공간이 사라집니다.

다음 두 프롬프트를 비교해 보세요.

pop ballad, A minor, 78 BPM, emotional female vocal, piano, strings, drums, big chorus

나쁘지 않지만 에너지 설계가 조금 단순합니다. 이번에는 구간별 대비를 더 분명히 넣어 봅니다.

pop ballad, A minor, 78 BPM, intimate female vocal, sparse piano verses, strings slowly build in pre-chorus, full drums and layered harmonies in chorus, stripped bridge, biggest final chorus

두 번째 프롬프트는 Suno에게 곡의 시간표를 알려 줍니다. 벌스는 피아노 중심으로 작게, 프리코러스에서 현악기가 올라오고, 후렴에서 드럼과 하모니가 들어오며, 브리지에서 다시 비운 뒤 마지막 후렴을 가장 크게 만드는 구조입니다.

긴장과 해소를 프롬프트에 넣는 법

음악에서 긴장은 듣는 사람이 다음을 기다리게 만드는 힘입니다. 해소는 그 기다림이 풀리며 시원해지는 순간입니다. 영화에서 주인공이 문 앞에 서 있을 때가 긴장이라면, 문이 열리고 진실이 드러나는 순간이 해소입니다.

Suno 프롬프트에서는 tension, release, build-up, drop, resolve 같은 단어를 사용할 수 있습니다. 특히 전자음악이나 시네마틱 음악에서는 build-up과 drop이 중요합니다.

cinematic electronic, D minor, 128 BPM, dark synth bass, tense build-up, snare riser, massive drop, wide reverb, no vocals

이 프롬프트는 곡이 점점 조여 오다가 drop에서 터지는 구조를 기대하게 만듭니다.

발라드에서는 drop보다 조용한 브리지와 마지막 후렴이 더 중요합니다.

emotional piano ballad, A minor, 72 BPM, soft female vocal, quiet bridge with only piano, pause before final chorus, final chorus with full strings and layered harmonies

pause before final chorus는 마지막 후렴 직전에 잠깐 숨을 멈추는 느낌을 줄 수 있습니다. 실제 노래에서 아주 강력한 장치입니다. 모든 악기가 잠깐 사라졌다가 후렴이 다시 들어오면, 듣는 사람은 이미 알고 있는 후렴도 새롭게 느낍니다.

실전 예제: 같은 가사를 세 가지 방식으로 바꾸기

이제 같은 가사를 BPM, 키, 코드 진행만 바꿔 세 가지 곡으로 만들어 보겠습니다. 가사의 핵심은 이별 후에도 아직 마음이 남아 있다는 내용입니다.

버전 1: 느린 A minor 발라드

Style of Music:
emotional piano ballad, A minor, 70 BPM, intimate female vocal, sparse piano verse, warm strings in chorus, quiet bridge, biggest final chorus

Lyrics:
[Verse 1]
[Am] 오늘도 불을 끄지 못해
[F] 네가 올 것만 같아서
[C] 창가에 남은 작은 먼지까지
[G] 너의 흔적 같아서

[Pre-Chorus]
[Dm] 아무렇지 않은 척해도
[G] 마음은 자꾸 무너져

[Chorus]
[C] 아직 나는 너를 불러
[G] 끝난 계절 속에 서서
[Am] 돌아오지 않을 대답을
[F] 밤새 기다리고 있어

[Bridge]
(stripped back, only piano)
[Dm] 이제는 보내야 한다고
[F] 수없이 말해 보지만

[Final Chorus]
(full strings, layered harmonies)
[C] 아직 나는 너를 불러
[G] 사라진 꿈을 안고서
[Am] 마지막 남은 내 마음이
[F] 너의 이름으로 번져

이 버전은 감정이 가장 직접적입니다. 70 BPM이라 말이 천천히 나오고, A minor가 쓸쓸한 중심을 잡습니다. 벌스는 작고, 마지막 후렴은 현악기와 하모니로 커지는 그림이 좋습니다.

버전 2: 84 BPM의 감성 R&B

Style of Music:
modern R&B, A minor, 84 BPM, smooth male vocal, Rhodes piano, warm sub bass, soft 808 drums, late night groove, intimate and melancholic

Lyrics:
[Verse 1]
[Am] 불 꺼진 거리 위에
[F] 네 목소리가 남아
[C] 아닌 척 걸어 봐도
[G] 또 같은 곳에 멈춰

[Pre-Chorus]
[Dm] 손끝에 닿을 듯한 기억
[G] 더 멀어질수록 선명해

[Chorus]
[Am] I still call your name
[F] in the midnight rain
[C] 웃어 보려 해도 난
[G] 제자리인 것 같아

같은 A minor라도 84 BPM이 되면 발라드보다 몸이 조금 움직입니다. Rhodes piano와 sub bass를 넣으면 새벽 R&B의 질감이 생깁니다. 이때 보컬은 powerful belt보다 smooth, breathy, intimate 같은 단어가 잘 어울립니다.

버전 3: 124 BPM의 D minor 하우스

Style of Music:
deep house, D minor, 124 BPM, four-on-the-floor kick, pulsing synth bass, airy vocal chops, melancholic but danceable, build-up before drop, wide club mix

Lyrics:
[Intro]
[Dm] [Bb] [F] [C]

[Verse]
[Dm] 사람들 속에 숨어
[Bb] 아무렇지 않은 척
[F] 빛나는 밤을 걸어도
[C] 너만 비어 있어

[Build-Up]
(building intensity, filtered drums)
[Dm] 더 크게 울려 줘
[Bb] 내 마음이 안 들리게

[Drop]
[Dm] [Bb] [F] [C]
(vocal chops, no full lyrics)

[Chorus]
[Dm] 춤을 추면 잊혀질까
[Bb] 불빛 속에 널 지울까
[F] 웃고 있는 나를 봐도
[C] 아직 너를 찾아

이 버전은 가사는 슬프지만 음악은 움직입니다. D minor가 어두운 긴장을 만들고, 124 BPM이 하우스의 추진력을 만듭니다. Drop에서는 긴 가사보다 vocal chops나 짧은 후렴구가 더 잘 어울릴 수 있습니다.

한 번에 하나씩 바꿔야 귀가 배웁니다

Suno를 잘 쓰는 사람은 한 번에 모든 것을 바꾸지 않습니다. 좋은 결과가 나왔을 때 무엇이 좋았는지 알아야 다시 만들 수 있기 때문입니다. 따라서 실험할 때는 기준 버전을 하나 만들고, 변수 하나만 바꾸는 습관을 들이세요.

1. 먼저 기준 프롬프트를 만듭니다.

emotional pop ballad, A minor, 76 BPM, female vocal, piano and strings, big chorus

2. BPM만 바꿔 봅니다.

emotional pop ballad, A minor, 88 BPM, female vocal, piano and strings, big chorus

속도가 빨라졌을 때 감정이 덜 무거워지는지, 리듬이 더 살아나는지 들어 봅니다.

3. 키만 바꿔 봅니다.

emotional pop ballad, C major, 76 BPM, female vocal, piano and strings, big chorus

A minor에서 C major로 바뀌면 같은 발라드라도 슬픔보다 회상이나 위로에 가까워질 수 있습니다.

4. 코드 진행만 바꿔 봅니다.

[Verse]
[Am] [F] [C] [G]

[Chorus]
[C] [G] [Am] [F]

이번에는 벌스와 후렴의 출발점을 다르게 만들어 봅니다. 후렴이 더 열리는지, 멜로디가 더 기억에 남는지 확인합니다.

이런 식으로 실험하면 Suno가 만든 결과를 운에만 맡기지 않게 됩니다. 실패한 생성도 데이터가 됩니다. 76 BPM은 너무 처지고, 84 BPM은 좋고, C major는 너무 밝고, A minor가 가사에 맞는다는 식으로 나만의 감각이 쌓입니다.

프롬프트에 바로 붙여 쓰는 표현들

템포, 키, 코드, 에너지 곡선을 넣을 때 자주 쓰는 표현을 정리해 보겠습니다. 그대로 복사해도 좋고, 필요한 부분만 바꿔도 좋습니다.

초보자에게 추천하는 기본 공식은 다음과 같습니다.

[genre], [key], [BPM], [mood], [vocal], [main instruments], [energy curve], [production style]

예를 들면 이렇게 됩니다.

indie pop, G major, 116 BPM, bright and nostalgic, soft female vocal, jangly guitar and punchy drums, small verse into big chorus, polished warm mix

또는 더 어두운 버전으로 바꿀 수 있습니다.

dark pop, A minor, 102 BPM, melancholic and cinematic, breathy female vocal, piano, deep synth bass and electronic drums, quiet bridge into explosive final chorus

이 정도만 써도 Simple Mode에서 막연히 emotional song이라고 입력하던 때와는 결과가 달라집니다. Suno가 추측해야 할 부분이 줄어들고, 곡의 중심이 더 분명해집니다.

마지막 점검: 생성 버튼을 누르기 전에

생성하기 전에 아래 항목을 한 번만 확인하세요. 음악 이론을 많이 아는 것보다, 이 기본을 빠뜨리지 않는 것이 더 중요합니다.

• 장르에 맞는 BPM을 골랐는가?

• 가사 감정과 키가 충돌하지 않는가?

• 발라드라면 60~80 BPM, R&B라면 70~90 BPM, 팝이라면 100~125 BPM, 하우스라면 120~130 BPM 안에서 시작했는가?

• C major, G major, A minor, D minor처럼 Suno가 이해하기 쉬운 키를 썼는가?

• 벌스보다 후렴이 더 커지도록 에너지 곡선을 적었는가?

• 브리지에서 대비를 주거나 마지막 후렴을 더 크게 만드는 지시가 있는가?

• 코드 태그를 넣었다면 Custom Mode에서 스타일과 가사를 분리했는가?

• 한 번에 여러 요소를 바꾸지 않고, BPM이나 키 하나씩 실험할 준비가 되었는가?

템포, 키, 코드는 처음에는 숫자와 알파벳처럼 보입니다. 하지만 실제로는 노래의 심장박동, 색깔, 길입니다. BPM은 곡이 얼마나 빨리 숨 쉬는지를 정하고, 키는 그 숨의 온도를 잡아 주며, 코드 진행은 감정이 어느 방향으로 걸어갈지를 정합니다.

이 세 가지를 프롬프트에 넣기 시작하면 Suno는 단순히 예쁜 소리를 만드는 도구에서, 당신의 의도를 따라 움직이는 작곡 파트너에 가까워집니다. 이제부터 결과물을 들을 때 이렇게 질문해 보세요. 너무 빠른가? 너무 밝은가? 후렴이 충분히 커졌는가? 코드가 계속 같은 자리만 맴돌고 있지는 않은가?

그 질문에 답할 수 있으면, 다음 생성은 이미 더 좋아질 준비가 되어 있습니다.

참고

¹Music Glossary for Suno

²Suno AI Prompt Guide: The Music Theory Cheat Sheet for Better Songs

³The Complete Guide to Writing Suno Prompts in 2026

⁴Suno AI Chord Progressions: How to Actually Control What Chords Suno Plays

⁵How to Specify Chord Progressions in Suno AI